在“影像的力量”在北京福海文博园盛大开幕前，本网与其他媒体记者一道，采访了来华访问、受颁荣誉的摄影师们。听听他们对摄影的理解和就当下一些摄影问题给予的探讨。以下是记者对埃迪·索罗威（以下简称埃）的采访。


埃迪·索罗威（Eddie Soloway）美国摄影师，主要从事艺术摄影，埃迪的作品表达了他对自然界的激情和投入，对野生环境的探索让他的眼光更加锐利。之前在教育实践设计、野生项目发展及精细图像印刷方面的经历使他更加专业。1998年，埃迪成为第一个获得圣达菲视觉艺术卓越中心的摄影教学奖。2010年，《图片新闻》给予埃迪“美国是实践摄影老师之一”的称号。如今，埃迪工作包括制作美术照片，在领先的摄影机构教学，开展关于创造力和摄影的讨论，以及出版摄影作品。埃迪于2004年夏天出版他的第一本书《一千个月亮》，2009年发表了《自然眼光工作坊》。

埃迪：很高兴在这里见到大家。
腾讯网记者：是否第一次来到北京，对天坛的感受如何？
埃：我是第二次来到北京，第一次是在去年8月份，来参与这次活动的规划。去过天坛、故宫、798，北京是个非常美丽的城市。
记：有无印象最深刻的？
埃：故宫可以看出中国令人赞叹的历史文化，798让人了解北京不光有古老的历史，还有现代艺术。
记：什么时候开始喜欢摄影的？
埃：在我还是个小男孩的时候，跟随我的父母在外露营的时候，就对自然感兴趣，在大学时学的是生态学，而非摄影。现在不光拍摄作品，还在做摄影教学工作。从小到现在都对自然充满兴趣。（注：埃迪的作品主要以自然摄影为主）
记：如何把实践操作经验与教学结合起来？
埃：所有的教学都是来自于自己的经验。关于摄影有两件事情，一是用眼睛去捕捉景物，二是关于技术。但是现在太多的人去关注技术，其实技术只是一个辅助、一个途径，在技术基础坚实的层面，才能把眼睛看到东西体现在照片上，这才是一个正确的路径，而不是只依赖于技术。所以有的照片，一切的技术要素都具备，可是它没有灵魂。这样的照片，我是不喜欢的。可有的照片，虽然技术上不完美，但是你能看出照片所传达出来的情感，更重要的还有些思考在里面，这样的照片我认为是好的。当然，更理想的状况是把这两者结合在一起。

记：您有一本书《一千个月亮》。您书里到底有多少个月亮？您现在是否还在关注这一题材？是否还关注满月？
埃：我书里的“月亮”本身并不是指满月，也不是月亮本身，而是来自于我80岁的祖母，在她的生日上，当天晚上就有一轮满月，我想作为我80高龄的祖母，在她有生之年，还能看到多少个如她80岁生日当天的满月？我想用“一千个月亮”说明，人一生的经历，这是最重要的。我想再与大家分享一个小故事。
我的孩子在很小的时候曾跟我说，爸爸你们都见过那么多的月亮，我连100个满月都没见过。就在孩子见到第100个满月的当天，我们开了一个PARTY，把所有的朋友都请来看当天的满月。月亮对于我来说，就是人生。 

本网：对中国的摄影和摄影师有没有了解，您更关注中国的哪类摄影师和摄影作品。
埃：很遗憾，我对中国的摄影和摄影师没有太多的了解。但是我在798看到了许多摄影师和他们的作品。期待今后能对中国摄影和摄影师有更深入的了解和认识。去年我曾在中国看到秦玉海先生《真水无香》的影展，今天早上我在天坛见到了他。
本网：如何理解在数字时代，艺术摄影中的PS运用。据您了解，凭照相机拍摄出来的艺术摄影作品，比如风光，和利用PS制造出来的光影艺术摄影作品，在比赛中是怎么评选的？
埃：正如贵国遇到的问题一样，在美国也同样有着这样的争论和困惑。但就我个人而言，我并不反对利用PS去获得好的影像。但我个人更喜欢用传统的方式去捕获我心中的美丽和思考。对于PS的争议的确存在，但是你要把照片放在网上或者书里，你必须要借助于软件，软件是摄影传播的必备途径。但是在这个基础上，人们还是有他自己的选择的。第一种是不做太多改动，另外就是借助于PS的神奇力量。我的方式是选择在暗室里，获得最美的自然影像。在艺术摄影里没有标准，好与坏的评判，与个人的选择有很大的关系。但是我认为这个世界已足够美丽，大家就不要改了。
PS非常容易，但是传统摄影技法是非常难的，对摄影师的眼睛、观察等有很高的要求。技术有的时候会给我们带来风险和挑战。
记：1976年在美国MOMA现代博物馆有一个非常著名的展览叫《NEW PHOTOGRAPHY》，此影展标志着景观或风景摄影的兴起。在中国，有许多青年摄影家很崇尚这样的一种摄影表达方式。您这认为景观摄影和风光摄影（自然风光摄影）最大的区别是什么？
埃：有的人在乎定义，有的人不在乎。过去风光摄影是狭义的就是关于自然的，当然有一些规则。景观摄影有不同的解读，它可以把人、城市、农庄等都包含在内，而且它的解读是随着时代的背景而变化的。风光或风景就看你是看字面，还是把新的意义引入其中。
记：在美国的年青人他们更喜欢拍摄上述两种类别中的哪一种呢？
埃：在美国大学的摄影课程教学中，他们更喜欢把视角投入到人、当代的社会中。更少的学生会关注于纯风光摄影中。
记：ICP曾做过一个展览《WHAT IS THE PHOTOGRAPHY》,那么在多元化文化的当今，比如装置、视频、拼贴等等，在艺术摄影领域，摄影师该如何坚守自己，并所有创新？
埃：我们现在的确生活在一个变化非常快的世界，面临许多的冲击，但是我认为摄影师最重要的是发出自己的声音。不光是摄影师其他门类的艺术家也一样，你到底想要传达一个什么样的信息，而不是为了技术而技术。生活体验对于一个艺术家来说，太重要了。一个14岁的诗人，你怎么可以想象他能写出深刻的诗来？对于今天的摄影师来说，不要担心如何才能抵制住来自不同传播方式的包括技术的诱惑，而是主动的去发出自己的声音，自己的思考。艺术家先要有自己的视线、思考，再去想用什么样的技术、材质、工具去准确的传达。 

中国摄影报：我更关注您的作品。之前在网上也看到许多您的作品，比如《the edge of light》,光影和色彩看上去非常迷人。灵感来自于哪里？
埃：我喜欢傍晚的时候去海边。另外绘画、诗歌等其他艺术也给了我许多灵感。我曾经还有一组作品是关于森林的，这个是来自于抽象派的艺术作品，还有一些作品是来自于印象派。但是LIGHT是站在海边，灵感就来了。
记：这组作品还在继续吗？
埃：还会继续。
记：关注自然摄影的人，多数还是秉承于亚当斯的摄影理论，多是对自然的切片，您认为您是什么风格。
埃：不同的作品灵感不一样。我现在更关注自然的能量。我前期的作品是比较忠实于眼睛所看到的，但是我现在愿意把更多的解读放到作品当中，比如自然界的能量、运动，甚至一些沉淀下来的光影、形状等，因为我觉得如果我把所有的细节都给你，你就没有更多的想象空间了。就像看哈里波特书的时候，你有想象空间，但是看电影的时候，电影把所有的细节都给你呈现出来，你就没有想像空间了。
记：这是你对NATURE EYE的解读吗？
埃：这是我教学时的课程名称。也就是让学生用自己的眼睛去捕捉、去观察，然后学技术，最终把它呈现在图片上。

记：另外有一组凹版摄影作品，您的每一组作品都很有个性，没有连贯性。您怎么解读这组凹版作品？
埃：凹版技术是一个传统技术，在早期人们用它来拍摄肖像摄影作品。我从这里得到灵感，但我用它来拍摄自然，表现一种怀旧的情感。整个工艺是先是胶片拍摄，然后用一个上面涂有各种颜料的盘子，扣在胶片上，最终印在纸上。我之所以这样做，是我可以有很大的空间在颜色的选择上，我可以用温暖的颜色，棕色来表现我想要的东西。
记：这是一个实验性的作品吗？
埃：对于我个人而言是的。从这里出发，我现在更愿意偿试传统工艺或是把不同的工艺结合在一起。
记：您对色彩的敏感是如何融入到作品当中的？
埃：这是个好问题。我没有专门学过色彩，在我看来也许理论越多人越容易变糊涂。或许我天生就对色彩有着特殊的敏感。在按下快门的一刹那，我对色彩的构成就已经有相当的理解和感悟的。有人也问我，黑白和色彩哪个在摄影上更难，黑白和彩色对于颜色的感光度是不一样的，我认为两个都不容易。
记：您的学生大多是什么群体？是学生还是爱好者居多？实践课都是怎么上的？
埃：很多成人业余的学生，是把摄影当作一个爱好的人居多。课的形式因时间而定，比如只有一个小时，我可能就会拿《国家地理》的一幅照片去点评。如果是一个周末，就会鼓励学生互相点评各自的作品。我希望在课堂上，让学生重新变回孩子，忘记之前固有的定义概念禁锢，用新的东西去捕捉美，给大家一些想法，让大家去实践，然后来点评。
记：您认为，对一个摄影新人来言，跟对一个老师更重要，还是系统的接受摄影教育更重要？
埃：我身边的职业摄影师朋友没有一个是系统学摄影的或是接受过正规摄影培训的。我认为跟一个对的老师更重要。这个人他愿意帮助你、给你一些建议、提点你，而且这个人可能不是一个人，是几个人，当然也可能是一本书，一件事。最主要的是让自己真正的生活在摄影、影像里，你才可能成为一位优秀的摄影师。
记：您能谈谈您生命中最重要的一位或几位影响至深的老师吗？
埃：在我大学时，我的老师是一位自然生态学家，他给了我如何用自己的眼睛去观察这个世界。还有一位老师教我如何把自己的想法结合起来，同时去启发别人。在他年青时，他的老师是来自于作家，甚至他们都不知道他们曾帮助过他。至于我怎么走到摄影圈里来呢，是缘于我的一位朋友，他教会我拿着一张照片，分析出他的光圈、快门，从而掌握基本的摄影技巧。老师这个词儿是非常大的，最重要的是在正确的时候给你一些正确的建议，当然这要在你具备基本的要素时，他给你一点拔，就会让你获得质的变化。